EXPOSICION EN NAPOLES 1er CENTENARIO DEL FUTURISMO

Esta entrada es para informaros de la exposición que se realizó con las medallas seleccionadas para la exposición CENTERNARIO DEL FUTURISMO, que ha tenido lugar en la GALLERIA DEL GIARDINO dell'ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI NAPOLI el pasado junio 2009.

Podéis pasar a recoger vuestras medallas por el Departamento de escultura, preguntad por Arcadi quien os retornará las medallas y os facilitará un folleto de la exposción

gracias por vuestra participación

EXPOSICIÓN EN ARGENTA (ITALIA) - LBERO LIBRO ESSEGI

Aquí tenéis el folleto de la exposición sobre las obras que realizamos con los libros. 

Las piezas quedan en propiedad de la editorial y seguramente se realizarán nuevas exposiciones en Italia. Cuando tenga la información ya os la comunicará

gracias por vuestra participación

reflexió sobre el modelat.

Diuen que modelar ve a ser una tècnica cognitiva que consisteix en crear una representació ideal que reflexa alguns dels aspectes d'un objecte real. Per tant, se'l pot considerar com una simplificació de la realitat de la que se'n desprèn la intenció del modelador, en sigui ell conscient o no.

És cert que l'activitat del modelat passa necessàriament per un procés mental: es tracta de reconèixer una forma, apropiar-se'n d'ella i refer-la segons el nostre gust i les nostres capacitats (d'abstracció, de representació, del domini d'una tècnica, etc). Però crec que el modelat és més que tot això. M'atreviria a dir que respòn a una necessitat (exclusivament) humana de crear i, fins i tot, de recrear el seu ànim (en el sentit de donar-li plaer). I no només parlo del fet de crear quelcom (des d'un punt de vista rudimentari); crec també que es tracta, finalment, d'injectar una dosi de vida a allò que és creat; fer realitat, mitjançant les nostres mans, el prototip d'aquella idea de la qual partim fins al punt d'arribar a una coherència formal que li proporcioni algo així com una força vital particular, un sentiment, un primum principium vitae.

Transformación del libro

Relieve "Tabla táctil" - Sudán - Paris

inspirado en la tabla táctil futurista "Sudán -Paris" deMarinetti

Conferencia de Massimi Arzilli

Al ver la obra del artista, las torres inclinadas, arquitecturas, formas geometricas, columnas .. lápidas que se reúnen en un amplio plano verde de un parque. En seguida asocié una pintura de Paul Klee. En la pintura de Klee parece que las formas arquitectónicas cobran vida, caminan.. Algo parecido me sugerieron las torres arquitectónicas de Massimi Arzilli. Tenian un aspecto humanizado al inclinarse ligeramente una torre a otro y en diferentes direcciones. Para mi fue un aspecto muy interesante.

Conferencia mark Tanguy

Mark Tanguy nos introdujo a su percepción personal acerca de la pintura contemporánea. Se refería entre otras cosas que la pintura es un encuentro de muchas fuentes posibles. Me ha despertado interés en buscar referencias y imágenes de las artistas que mencionó en clase. A su lista de pintores que a él le interesan me gustaría añadir en este blog pinturas de Neo RAuch, un pintor contemporáneo aleman. Su trabajo se fundamenta en fuentes tan diversas como las vanguardistas rusas y el posterior realismo socialista, el romanticismo alemán, el surrealismo o la estética del comic clásico. De la fusión de todos estos elementos surgen unos cuadros grandiosos, mezcla de sueño y verdad, pasado y presente, enigma y revelación, realidad y ficción virtual.

Escultura modelat

Modelat

Escultura de modelo

Irene Miranda Rodríguez

Transformación del libro

Libro convertido en árbol con forma de lámpara

Relieve Futurista

Representa la dualidad entre ser y animal

Proyecto de Erika

Después de haber parido una criatura en barro, te la llevas a casa y la vacías para cocerla, proceso que jamás había hecho. Entonces empiezas a querer perfeccionarla, ponerle otro taburete, hacerle la "piel" más homogénea, ves los errores cometidos y piensas que nunca va a acabar el proceso de mejoras. Pero como a un hijo (imagino) le quieres tal y como es.

Figura de barro

els relleus poden amb mi...

Massimo Arzilli en la Facultad

21 de Mayo de 2009, Massimo Arzilli, artista y profesor de la Academia de las Artes de Peruzzia realizó una visita a la facultad de Bellas Artes de Barcelona. El motivo de su visita fue para dedicarnos una pequeña charla y mostrar su trabajo más reciente.

Massimo comenzó la charla haciéndonos una breve introducción sobre la situación geográfica e histórica de su pueblo y a continuación nos mostró su obra en formato de video. Laterizio massimo, consiste en una serie de piezas formadas por ladrillos de arcilla dispuestas en el espacio verticalmente. Según Massimo su obra conserva una relación formal con las torres que en la edad media se erguían en toda Peruzzia.
Personalmente no me dejó indiferente la obra de Massimo Arzilli, sus piezas me gustaron bastante, aunque no tanto la forma en como las presentó (un video un tanto pretencioso). Su obra es muy cercana, tengo la sensación de que siempre la he conocido, te permite acercarte y nunca te abrumará con su charla.

Para terminar la charla, Massimo estuvo contrastando con los presentes su visión sobre el papel del escultor en la sociedad actual y la relación que siempre ha habido entre escultura y arquitectura y que hoy día se ha enfriado.

medalla centenario

Escultura final, modelo.

conferencia Mark Tanguy

Me gusto mucho como Mark Tanguy explicó sus teorías sobre la pintura. Ésta, según comenta, se nutre de la fotografía y la fotografía se nutre de la pintura. Él piensa que los artistas trabajan juntos actualmente no como en los ismos. Comenta que lo importante es la percepción de las formas la cual surge de nuestros sentimientos. La pintura juega con la duración de la mirada. La creación a partir de la materia es una de las cosas que Mark insistió también, ya que dice que es muy importante que haya un diálogo entre éstas. Hay que jugar con los límites y los excesos de ésta materia para crear un vínculo y una comodidad con la pintura, además de una relación especial. Insiste en que en el mundo hay mucha libertad y que hay que saber expresarla. Los errores hay que saber aceptarlos como patria. Tenemos que tener en cuenta que la persona i la pintura son como una relación de pareja y tenemos que tener presente que habrá rachas buenas y otras de malas. Mark comenta que el instante es el que habla y que lo que importa definitivamente es la poesía. Sugiere trabajar sin utilizar el cerebro y trabajar con lo más universal. Insistió que la lo abstracto siempre es una figuración subjetiva.

Marc Tanguy

“La peinture joue avec la durée du regard, ce qui fait la peinture pertinante, en comparaison aux autres genres d’images qu’on regarde rapide et superficiellement.”

Marc Tanguy

Marc Tanguy, professor de l’escola ENSAD de París, ens va sorprendre a tots quan va començar la conferència afirmant que “tota pintura és figurativa”. De seguida es va explicar posant-nos un exemple clarificador: una bona pintura és aquella que interpreta allò que no veiem a la realitat, que s’acosta més a un paisatge mental que real; per tant, la pintura que representi figurativament un ocell no serà tan bona com aquella que descrigui el sentiment d’aquest ocell.

Partint doncs d’aquesta concepció, ens va estar argumentant la validesa de la pintura contemporània en una cultura caracteritzada per la saturació visual, i el fet de que sigui factible que una disciplina com aquesta, tan qüestionada en els últims anys, segueixi convisquent paral·lelament amb qualsevol altres tipus de pràctiques visuals. Segons Tanguy, malgrat les diferències que s’observen en la producció pictòrica contemporània, ja sigui a nivell de temes, tècniques, materials o conductes processuals, hi ha quelcom que els artistes plàstics comparteixen: més enllà del significat que es generi d’una tela, tots partiran de la voluntat d’assolir un grau òptim de qualitat en la comunicació de la forma. És a dir, no es persegueix la perfecció formal per sí sola; es tracta més aviat de la capacitat que té la forma per dir alguna cosa. Ara bé, el més interessant és que aquesta cosa no sigui una sola, que es pugui captar en un tancar i obrir d’ulls, sinó que sigui tot un seguit d’estímuls rere estímuls.

Això només succeix si s’estableix una relació dialèctica constant entre el pintor i la matèria; també si, en aquesta relació, el pintor té l’habilitat de ser capaç d’intervenir oportunament en el moment en què ha d’obtar entre un excés o una carència de matèria; i finalment, si la sensibilitat del pintor li permet acceptar l’error, o millor l’accident, com un èxit i no com un destorb.

Després de sentir les paraules de Marc Tanguy segur que molts de nosaltres ens vem sentir encoratjats, cosa que no passa gaire sovint en moments artístics com els que vivim. Per això s'ha d'agrair l'acte de fe que alguns professionals com ell saben tenir, i a més compartir.

Marc Tanguy, Embarquement (2008)

medalla

Desfragmentació d'un cotxe i recomposició en moviment.

inspiració per la medalla

Umberto Boccioni, Líneas y fuerzas de una botella (1912)


El meu punt de partida va ser Boccioni: la seva interpretació del moviment d'una botella, al més pur estil cubista -però ideada a partir del pensament futurista-, i el què va escriure en el manifest: "Hay que partir del núcleo central del objeto para descubrir nuevas formas que lo atan invisible y matemáticamente al infinito plástico aparente y al infinito plástico interior".

Dibujos de barro. El Modelado.

Cuando modelo tengo la sensación de estar dibujando en un papel, aunque en este caso el papel es el espacio. Las palabras de John Berger no pueden describir mejor la estrecha relación que en este tiempo he aprendido entre modelado y dibujo.

“La tercera dimensión, el volumen de la silla, del cuerpo, del árbol, es, al menos en lo que concierne a nuestros sentidos, la prueba misma de nuestra existencia. Constituye la diferencia entre el mundo y la palabra.
Al mirar al modelo, me maravillaba el simple hecho de que fuera sólido, de que ocupara espacio, de que fuera más de la suma total de diez mil perspectivas desde diez mil puntos de vista diferentes. En mi dibujo, que era inevitablemente una visión desde un solo punto de vista, confiaba en llegar a sugerir este ilimitado de perspectivas. Pero por ahora esa sólo cuestión de trazar y refinar formas hasta que sus tensiones comenzaran a ser como aquellas que veía en el modelo. Desde luego corría el riesgo de que un énfasis sobreacentuado y erróneo lo hiciera estallar todo como un globo, o podría desmoronarse como arcilla demasiado fina en el torno de un alfarero, o deformarse fatalmente y perder su centro de gravedad. Aun así, allí había algo. Las infinitas y opacas posibilidades de la página en blanco habían sido definidas y precisadas. Mi tarea consistía ahora en coordinar y medir: pero no medir en pulgadas, como uno puede pesar una onza de pasas contándolas, sino medir por el ritmo, la masa y el desplazamiento: calcular distancias y ángulos como un ave volando entre las ramas, visualizar la planta como un arquitecto, sentir la presión de mis líneas y manchas hacia la superficie más remota del papel, como un marino siente la flacidez o tensión de su vela para así virar aprovechando o desechando la superficie del viento.”

BERGER, John.”Dibujar un hombre”. En: Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible. 4ª edición. Madrid: Árdora, 1997. p. 55-56

Medallón-relieve futurista

esbozos fut turistas

Tres poses fijas

Reflexiones sobre el proceso y la creación de la figura de barro

Cuando el profesor Jorge Egea explicó lo que íbamos a hacer en clase, una figura de barro de medio metro, me quedé sorprendida. Nunca me había ni me habían propuesto hacer algo así. Así que mi sorpresa existia porque no tenía ni idea de cómo iba a ser esa experiencia. Lo difícil, fue empezar. No se porque pero, se me hacía extraño coger barro y hacer una montaña de ella, como si de una mancha voluminosa en el espacio se tratase, algo feo. La miraba y luego miraba a la modelo, y decía: esta montañita tiene que ser un cuerpo humano. A partir de entonces entendí la dificultad que iba a conllevar este trabajo, y la meta que tenía que lograr. La verdad, al principio me parecía algo imposible de hacer, y en clase me costaba concentrarme. Al ver que estaba un poco por detrás de los demás decidí hacer horas extra por la mañana utilizando una figura de un compañero mío. El hecho de estar sola, me ayudo mucho para empezarlo. No había nadie a mí alrededor y era solo las dos figuras y yo. En la intimidad conseguí inspirarme en este nuevo proyecto. Veía que poco a poco iba comprendiendo como se debía hacer. Primero de todo: ¡las medidas!, (tenía que recordarme de esto ya que era algo que no solía prestar mucha atención y que era imprescindible), ya que la figura que ya había empezado estaba desproporcionada. Una vez que tenía todo en su sitio empecé a modelar. ¡Aquí es cuando vino la diversión! Me parecía raro y por eso divertido el hecho de darle un masaje en la espalda a una figura sin vida. Me pareció extraño tener que tratar con una figura de barro sin vida, como si lo estuviera. Delicado, un trabajo con mucha atención y cuidado, esmero y tranquilidad. Para mi la figura cobraba vida poco a poco, cada vez parecía un ente más real.
Lo que también me pareció fascinante es el hecho de pensar en una figura humana en tres dimensiones. Acabas teniendo (claro está) un mayor entendimiento sobre el cuerpo humano. Me acuerdo que, después de todo una tarde haciendo la figura en clase, al día siguiente me iba a dibujo y me salían mucho mejor, me salían con más fluidez. En conclusión fue una experiencia muy agradable aunque difícil al principio. Me puse a hablar con un estudiante de otro curso que hacia lo mismo pero a tamaño natural, ¡¡¡o sea una figura de mas o menos 1 metro 70!!! ¡¡Si lo mío me pareció sorprendente imagínate eso!! Sería una buena propuesta para el año que viene…

Transformació d'un llibre en una escultura exempta

estudi de l'escultura-llibre

esboç medalla

Apunts model

Modelado

Marc Tanguy "Mi punto de vista sobre la pintura figurativa"

Marc Tanguy, ENSAD Paris. Visita la UB Bellas Artes.

Una Peculiar visión del Arte

El profesor Marc Tanguy inició la conferencia con una frase muy directa: “Mi punto de vista sobre la pintura figurativa contemporánea”…, y añadió que, para él, “…toda la pintura es figurativa.”

Con una frase así, cualquiera se asusta, pensando que hasta donde llega el poder de convicción de uno mismo por creer que todo es figurativo y “todo” es valido (el gran campo de lo abstracto). La verdad es que su planteamiento es totalmente veraz y convincente y tan fuerte que removió dentro de todas nuestras estrechas mentes una profunda reflexión sobre el arte “figurativo”.

Sí, todo es figurativo, es real, su planteamiento es tan convincente i con un sentido natural que retumba sobre todas las demás teorías. Aquí su explicación, la forma, es siempre interpretada por el espectador, por su personal punto de vista, es como funciona el lenguaje artístico; todo el arte es figurativo porque poseemos una relación natural con las formas. Nosotros vemos la forma porque estamos familiarizados con ella. La lógica artística es lo que hace que nosotros podamos interpretar la forma.

Su segundo argumento sobre el arte y su validez fue que una buena obra es aquella que nos da el sentimiento de la representación, mientras que una mala obra, nos da simplemente la representación.

Realmente la pintura actual se encuentra en un punto muy particular, estamos invadidos de imágenes por todos sitios, des de las vallas publicitarias, las revistas, los carteles cinematográficos, etc. Todo son imágenes que nos sacuden la mente a lo largo del día. Pero la pintura sigue estando allí. En este momento la pintura tiene un campo de trabajo muy amplio. La “nueva cultura” de nuestra sociedad la ha dotado de un gran abanico de posibilidades y le ha dado todas las herramientas posibles. Puede usar imágenes de cualquier providencia y deconstruir-las. La imagen contemporánea tiene todos los temas y recursos de la pintura clásica, el retrato, el paisaje, la autobiografía, una pintura más intimista, etc. En la pintura contemporánea cada artista utiliza las técnicas más personales.

Todo esto es resumible a otra de las grandes frases de Tanguy: “Lo importante es la calidad de comunicación con las formas… la pintura juega con la duración de la mirada.” Es tan sencillo como decir que hay que saber expresar la libertad y con ello se logra alcanzar la sensibilidad suficiente como para transmitir el mensaje a su destinatario, el mundo y sus espectadores. El arte es el dominio donde podemos expresar esta realidad. La pintura es variable al estado de ánimo del autor, sus pensamientos más inquietantes. El instante es el que habla pero lo que importa es la poesía.

“Lo esencial es ver lo que uno intuye en la obra” M.T. 7/05/09

(Terminar con una frase así, es un éxito asegurado…)

Medalla Futurismo

Conferencia de Marc Tanguy

La exposición trataba de la figuración en la pintura contemporánea. Sobretodo me quedé con la afirmación de Marc de que toda pintura acaba siendo figurativa, puso el ejemplo de que hasta una pintura abstracta puede representar algo tan intangible como la luz.

Personalmente creo que es un debate un poco estéril. Creo que una línea en el lienzo puede ser únicamente ella misma, una línea en un lienzo. Y yo me deleitaré resiguiendo el ritmo, la firmeza o la fragilidad, la expresividad, etc. Y no buscaré ningún referente de representatividad, como podría ser un junco doblado por el viento, la estela de un cuerpo en movimiento… se me ocurren miles de interpretaciones.

Esta pintura no será figurativa, a no ser que consideremos una línea como una figura en el espacio.

Pero repito que para mí, el debate no nos lleva a ningún sitio.

Me gustaron los pintores que escogió Marc para ilustrar su conferencia, y aplaudo su valentía y franqueza en enseñar su obra. Yo también seré valiente y enseñaré uno de los últimos cuadros. Una obra titulada “Alta cocina” y que muestra 30 platos del “Bulli” de Ferran Adrià, “deconstruidos” bajo mi propia manera de entender la pintura. Ingenuidad e inteligencia, pincelada a veces fresca, a veces obsesiva. Un juego de idas y venidas entre lo real y lo abstracto. Un modo de pintar muy parecido al que pueda tener un cocinero refinado y cuidadoso, que trata con especial amor el objeto de trabajo que da sentido a su vida.

Modelado

Marc Tanguy ________Pintor________

Marc Tanguy, artista y actualmente profesor en la escuela ArtDecó de París, nos visitó en Bellas Artes para hablarnos sobre arte contemporáneo y en concreto de su obra.

Sus últimas pinturas son extraídas de imágenes más o menos vagas, pixeladas, que provienen de web-cam dispuestas por todo el mundo en autopistas, puertos, hoteles, playas, ciudades, ...

Estas imágenes cambian con la hora, las temporadas e incluso con accidentes de la luz creando paisajes improbables y poéticos. Tanguy transcribe en su pintura esas imágenes sutiles tras una reflexión profunda.

Lo primero que vemos en una de esas imágenes es un lugar conocido, aunque no hayamos estado en el, seguro se parece a alguno donde si hemos estado. Después, si nos introducimos en ella, podemos encontrar su misterio, su parte invisible pero sensible, la que nos transporta a la realidad, a la visión que nosotros escogemos y no la que nos viene dada.

Por otro lado nos desconcierta tras la afirmación de que incluso el arte abstracto es figurativo. Pero consigue convencernos tras su discurso sobre la importancia del origen de las imágenes, de sus formas originales de las cuales extraemos su esencia convertida en otro tipo de expresión.

Me gusta su discurso. Se hace cercano cuando antes de conocerlo parecía lejano. Nos habla de guiarse por los sentimientos, de sentirnos libres para expresar, de crear obras con transfondo, con simbolismo y sin razón ...

He escogido dos de sus obras ... me gustaron ...

bocetos

medalla

libroescultura

Tanguy

Marc Tanguy, artista y profesor de dibujo y pintura de la Escula ArtDecó de Paris, inició la clase magistral con un título que a algunos sorprendió: Mi punto de vista sobre la pintura figurativa contemporánea, y añadió reafirmando lo dicho, que absolutamente toda la pintura es figurativa.

Su discurso iba acompañado de diapositivas de obras de distintos autores, que por distintas que fueran, todas se incluían en su visión figurativa de la pintura, desde un Klee, a una obra de Peter Doig, Alex Kahefsy… por distintas que pudieran parecernos, ninguna escapaba de su discurso, todas surgían de la realidad, todas se nutrían de esta.
Y es que, nos contaba que tenemos una relación natural con la forma, que es siempre interpretada por el espectador, por su espíritu, y de esta manera, es como funciona el lenguaje artístico. También afirma, que una buena pintura es aquella que nos da el sentimiento de la representación, mientras que una mala obra, nos da la representación. Creo que este punto, es muy interesante, aunque dudo que se pueda dividir entre buenas y malas obras, basándose solo en este criterio, aunque sea ciertamente importante. Sin embargo, consciente o inconscientemente todos interpretamos, aunque sólo pretendamos representar, siempre interpretamos y cómo él nos dice, lo importante no es la representación de las formas, sino la calidad de la interpretación de esas formas.

Tanguy nos plantea también, que actualmente estamos invadidos, bombardeados por infinitas imágenes constantemente, mientras que la pintura permanece, y aunque se oponga a los medios contemporáneos, utiliza en cambio, imágenes que provienen de todas partes. Él mismo, por ejemplo, trabaja con imágenes que encuentra por internet, imágenes automatizadas tomadas por web-cam, de paisajes en distintos momentos del día.

El establece la pintura, como un diálogo, como algo muy personal y muy íntimo.

Marc Tanguy

Medalla Centenario Futurismo

De la idea que uno se genera como si generara luz, queda, a veces, tan sólo los residuos. De una mano y una técnica poco experta surgen formas que no habíamos previsto, aunque hay que intentar llegar al concepto primigenio, a veces el aborto creado, el accidente, el pequeño bastardo supera por casualidad a su idea inicial; el accidente y la casualidad forman parte de nosotros, viven pegaditos a nuestra espalda esperando la oportunidad de manifestarse.
En este, mi caso, no lo considero así, mi idea inicial era la reproducción de una fotografía en una plancha de hierro con el proceso del fotograbado... lo había hecho una vez! en un monográfico de gravado de la Massana permanent, pero, como otras cosas, se me había olvidado cómo hacerlo, y con la llama de la esperanza encendida, me fui al profesor de gravado de bbaa, y con el rabo entre las piernas salí de la clase, porque solo gravan en offset, en hierro, al ser una fotografía muy movida (pues ahí estaba la gracia de ese retrato) no se fija bien los detalles... si tenéis que hacer una fotografía en metal, es mejor el offset. Al final del cuento hice un aguafuerte, con máscaras, también tuvo sus complicaciones, pero eso ya es otro cuento (complicado de contar...)
Después de todo quedaron unas texturas interesantes, y compositivamente, partiendo desde la misma base creada a imagen y semejanza de la idea primera, el resultado me parece atractivo, y la experiencia enriquecedora. Pero tengo una espina clavada por no haber conseguido mi propósito, entonces he decidido el curso que viene hacer grabado "one more time" para profundizar en el tema, con la idea de trabajar las planchas como relieves y no el positivado (que también lo haré). Amen.

Nicholas Galanin y Nicholas Jones

En su día, cuando empezó el proyecto del libro escultura, encontre a dos artistas que lo hacian... aquí algunas imágenes de sus libroexperimentos :)

Nicholas Galanin



Nicholas Jones

Y la imagen de abajo no sé a quien pertenece, pero hay muchas maneras de descomponer un libro

Modelaje, obra final

Clara Zendrera

Reflexión sobre el modelado

Esta ha sido mi primera experiencia con el modelado en barro.
En honor a la verdad, debo admitir que cuando comencé el curso me sentía un poco incómoda con la propuesta, ni me resultaba algo muy atractivo, ni creía que a la figura resultante se le pudiera encontrar rastro alguno de “humanidad”…
Pero la sorpresa ha sido mayúscula, no tanto por el resultado como por la técnica.
La arcilla es un material muy agradecido: blando pero consistente, cálido, dúctil…tenerlo entre las manos y apretujarlo es una experiencia relajante.
El aspecto simbólico siempre está presente: la Madre Tierra, el Hombre hecho de barro..etc…y realmente funciona a nivel inconsciente permitiendo la conexión con el material de manera íntima: la arcilla se llega a sentir como una prolongación del propio cuerpo que finalmente toma forma. Así llegamos a la parte más inaudita del proceso: por un lado identificamos la arcilla como una extensión corporal que a su vez termina siendo el cuerpo de otra persona, el modelo . Entonces por lógica díriamos que el barro logra relacionar los dos cuerpos: el del que hace y el del que posa.
De esta forma logramos aprehender el modelo.
Esta conexión también se da en el dibujo pero de una manera más sutil, más cerebral ya que el dibujo no es tan inmediato como el trabajo volumétrico.

La manera de llegar a las tres dimensiones que acabo de calificar de “inmediata” tiene su dificultad cuando se busca un objetivo concreto, el parecido con el modelo.
(Ya que si en dibujo no consideramos “el seis y el cuatro” un retrato, en modelado una bola de arcilla no es una cabeza, ni un “churro de barro” una extremidad)
El parecido no se consigue, pues, de manera espontánea, aunque el material sea tridimensional. Hay que dibujar: visualizar un todo, relacionar las partes con el conjunto, buscar el movimiento, el equilibrio, marcar las zonas que salen, las que entran…y todo esto en cada giro de la modelo.
Después el resultado debe estar lleno de fuerza, debe “reventar” para lo cual se debe ir verificando el volumen y añadiendo material donde convenga.
Es un trabajo muy dinámico y absorbente. Una muy buena experiencia.

Marisa Franco
Escultura II

Libroescultura Tiempo y Materia

Un libro en sí, su forma y composición, páginas, texto e imágenes, ya tiene su riqueza escultórica; es una escultura interactiva, móvil y con contenido. Cuenta historias de vidas imaginadas o reales

En este caso el libro es de un artista italiano, contiene su obra, una recopilación fragmentada de su vida, sus sentimientos, sus miedos e inquietudes, gracias y desgracias.

Esta vida, como la de todos, está dividida en dos polos opuestos (el yin y el yang, el blanco y el negro, luz y oscuridad,...)


El yin y yang es un concepto fundamentado en la dualidad de todo lo existente en el universo según la filosofía oriental, en la que surge. Describe las dos fuerzas fundamentales aparentemente opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. En todo se sigue este patrón: luz/oscuridad, sonido/silencio, calor/frio, movimiento/quietud, vida/muerte, mente/cuerpo, masculino/femenino... El yin es el principio femenino, la tierra, la oscuridad, la pasividad y la absorción. El yang es el principio masculino, el cielo, la luz, la actividad y la penetración.

Según esta idea, cada ser, objeto o pensamiento posee un complemento del que depende para su existencia y que a su vez existe dentro de él mismo. De esto se deduce que nada existe en estado puro ni tampoco en absoluta quietud, sino en una continua transformación. Además, cualquier idea puede ser vista como su contraria si se la mira desde otro punto de vista. En este sentido, la categorización sólo lo sería por conveniencia. Asimismo, la teoría podría aplicarse a todo tipo de dualidades.
Así se manifiesta en la escultura en dos mitades. Una negra y la otra blanca.
La línea que las separa no es recta, sino sinuosa, representando el equilibrio dinámico entre los dos conceptos y su continua transformación.

La una, sumergida en productos artificiales y contaminantes producidos por el hombre: lejía, ácidos, y lo más presente y notable, aceite de coche usado.
La otra mitad, introducida en la tierra y regada por la lluvia, limpia y clara.
El hombre tal y como es, necesitado de productos artificiales, también requiere de lo natural.

Son las dos partes absolutas de un todo, el cual no se entiende el uno sin el otro en nuestra sociedad humana.

Su título, tiempo y materia, revela el mecanismo de confección de esta escultura, la cual se ha realizado tan sólo con estos dos elementos, además son dos conceptos también contrapuestos, tangible la materia, intangible el tiempo.

Conferencia de Marc Tanguy, 7 de Mayo de 2009

Viernes, 7 de la tarde. Entramos en la oscuridad de una sala de la Facultad de Bellas artes de Barcelona, llena de alumnos acalorados por la primavera y sucios por el barro que habíamos estado modelando minutos antes. Empieza la conferencia con el titulo “Mi punto de vista sobre la Pintura Figurativa Contemporánea” que nos ofreció Marc Tanguy, pintor y profesor de dibujo y pintura la escuela de Art Decó de París

Tanguy emprendió con una imagen de fondo de una pintura de Paul Klee, pintor ambiguo que linda entre la abstracción y la figuración. ¿Qué era eso que veíamos? ¿Cuadrados de colores o una ciudad?

Remarcó que todo el arte es figurativo por que poseemos una relación natural con las formas (Como decía Magrite “Ce no pas une pipe”, puesto que el hecho crear una imagen se convierte en una abstracción, ya que es una representación y no real), mostrándonos seguidamente su visión sobre la situación del arte contemporáneo en la actualidad con algunas obras pictóricas de artistas plásticos contemporáneos:

Joaquin Sorolla Y Bastida, Peter Doig, Pierre Bonnard, Albert Marquet, Edward Hopper, Jean Fautrier, Zao Wou Ki, Lucian Freud, Olivier Debré, Richard Diebenkorn, Gerhardt Richter, Anselm Kiefer, Malgorzata Paszko, Philippe Cognée, Alex Kanevsky, Karine Roche, Amy Bennett, Guillaume Bresson, John Singer Sargent.

“Una buena pintura es aquella que nos transfiere un sentimiento.” Dice Tanguy, “El arte es expresión”; y a mí personalmente los que más me han conmovido y movido las entrañas son Alex Kanevsky, Lucian Freud, Peter Doig y Karine Roche, y alguna pintura de Pierre Bonnard, Richard Diebenkorn y Guillaume Bresson.

Pierre Bonnard

Seguidamente pasó a mostrar su obra, y viéndola se puede entender perfectamente el concepto al cual se refiere: Una nube puede ser un trazo y viceversa, un junco una línea, una mancha amarilla un cielo iluminado. Partiendo de imágenes de web-cam y fotografías pixeladas, imágenes ya distorsionadas de la realidad, las reinterpreta en su pintura. Las obras mostradas en la conferencia hablan de un lenguaje pictórico con el que narra su relación sensorial con las imágenes con las que emprende su obra, y no a partir de una realidad tangible.

Marc Tanguy. Embarquement (2) 114×146cm. 114 × 146cm.

Tanguy parte de la filosofía de trabajar desde lo irracional, concentrándose en la intuición; alejándonos de lo intelectual y racional podemos concebir aquello que es importante. Es en la poesía donde se halla el arte.

Estando totalmente de acuerdo con esto último, quisiera añadir que no se puede evitar nuestro yo racional porque es parte de nosotros e indivisible, y nuestro ser cerebral pone mano en nuestra creación, aunque sea inconscientemente.

29 de mayo 2009

PROCESO LIBRO ESCULTURA

PROCESO MEDALLA FUTURISTA

PROCESO MEDALLA FUTURISTA

prueba!

COMO AGUA DE MAYO

Impresiones sobre la conferencia de Marc Tanguy

Se supone que “ser creativo” (niveles aparte) es algo parecido a un juego, divertido y sobre todo fácil porque es algo innato… la naturaleza ya te hizo así… Pero lo cierto es que en mi caso, a menudo me siento bloqueada, despistada…y soy incapaz de generar, estoy seca.

Entonces, cuando empiezas a preguntarte qué sentido tiene este pequeño sufrimiento cuando podrías estar viendo plácidamente “El diario de Patricia” y comiendo nocilla a cucharadas… hay una tregua: unas palabras bien dichas son un bálsamo en un momento de crisis… poco importa si son en francés, lo importante es que llegan, que logran abrirte los ojos a ese mundo de artistas al que aspiras, que te muestran maneras de trabajar dispares rompiendo prejuicios o un mundo de motivaciones diferentes donde bien podrían caber las propias y claves importantes que se pueden convertir en asideros donde agarrarse cada vez que te sientas a la deriva.
Sólo por recordar algunas ideas reconfortantes:
“La pintura juega con la duración de la mirada…es mirada lenta”.
“El artista debe dialogar- jugar con la materia, llevarla al límite”.
“Hay que aceptar los propios errores del proceso”.
“El instante es el que habla, lo que importa es la poesía…la pintura está relacionada con el momento mismo de la creación y con el momento íntimo del artista”.
De lo que se extrae que la gestación de la obra también puede, o debe, ser lenta y cargada de contenido. Que debemos quitarnos la presión de la corrección de encima y adoptar los fracasos como grandes hallazgos y que entre la obra y el artista debe haber una conexión genuina, la emoción y el sentimiento temperado por la reflexión.

Marisa Franco
Escultura II

QUÉ ES UN LADRILLO?

Los profanos en arte cuando pensamos en escultura vemos al David de Miguel Ángel, el Pensador de Rodin o con mucha suerte El Peine de los Vientos de Chillida…si nos preguntan por materiales nos viene a la cabeza el mármol de Carrara, el bronce…la madera y estirando mucho la imaginación, el acero…Pero el ladrillo?...¿Qué es un ladrillo? Pues así, a bote pronto, diría que el elemento básico de tabique o pared, que rara vez queda al descubierto porque la convención es enlucirlo rápidamente: yeso, pintura (con o sin gotelé) … de donde colgará un cuadro o más probablemente una foto…No hay espacio para la trascendencia en la vida de un ladrillo…
Pero por suerte hay personas para todo que, por sensibilidad y/o trayectoria vital, son capaces de ver posibilidades donde los demás no vemos más que barro cocido.
En la figura de Massimo Arzilli encontramos esta capacidad, además de ser una persona digna de confianza, cálida y expresiva. Este hombre se presentó como artista hijo de artista, escultor y profesor italiano, orgulloso de sus raíces…pero durante el visionado de su último trabajo, “Laterizio Massimo”una instalación realizada con ladrillos, me quedó claro que había omitido su condición de alquimista capaz de transformar el plomo en oro.
Su obra es una evocación conmovedora de la historia humana. La connotación ordinaria del ladrillo queda borrada. Lo único patente son las ruinas de construcciones humanas, salidas de la misma tierra en un intento por llegar al cielo. Intento fallido, pues tan pronto como el barro comienza a alzarse retorna a su punto de partida, convirtiéndose las construcciones en lápidas: la tierra con la tierra.
La Condición Humana, la devastación del Tiempo y la Muerte se dan cita en un entorno atemporal, solitario y de silencio sepulcral.
Ésto es lo que me ha explicado con unos ladrillos Massimo Arzilli.

Marisa Franco
Escultura II

El Modelat

La técnica del modelat en fang és básica per entendre el volum, fins i tot per a la gent que no terballa dins e camp de l’esculta. Aquest és el meu cas, a mi m’agrada més la pintura, peró a través del modelat he experimentat una connexió directe entre la model que possava, i el material emparat, el fang. Potser aixó és el que fà el modelat tant interesant, aquesta connexió d’escències entre l’original i lo representat. Una connexió més forta, inclús, que la produida amb el dibuix, ja que la força de la materia i el fet de treball en la mateixa dimensió en l’espai que la model, donen un seguit de característiques les quals són més próximes.
Un dels aspectes interesants del modelat és jugar amb aquesta proximitat, ja que dona moltes possibilitats.
El sol fet de treballar de forma volumétrica ja remèt a un tipus de treball en connexió amb el món en què vivim, ón tot esta dispossat en un cert espai. Per dir-ho d’alguna manera, amb contrapossició al dibuix, que s’expressa amb dos dimensions, el modelat és un llenguatge expresiu més vinculat a la condició humana. Amb aixó no vull despreciar el dibuix, ja que el fet de que es treballi amb dos dimensions ens demana un treball mental per tal de disimular aquesta carència de profunditat que només és possible solucionar entenent l’espai. És per aixó que modelat i dibuix, tot i pertanyer a dos dimensions diferents, es complementen de manera extraordinaria.
Durant la pràctica del modelat he experimentat sensacions les quals no m’havia ni imaginat amb la pintura o el dibuix, em refereixo a aquest sentit natural que es desperta dins teu al estar en contacte directe amb l’element que tractes, sense intermediaris, és un moment en que només comtes tu i la materia. El fet de posar en contacte el teu cos amb el cos representat, el de la model, per mitjà del fang, fà que t’involucris amb la labor de tal manera que, estableixes uns llaços efectius amb la teva obra i amb la model que va més enllà de la mera representació estètica, és un altre nivell. Un nivell de consciència elevat que et permet concentrar-te durant hores i fà que el temps passi volant.
Valoro de forma molt possitiva aquesta asignatura de modelat per el sol fet d’haver-me donat a coneixer una alternativa forta a la pintura, el qual és el camp en què m’he centrat. De fet he començat a desenvolupar treballs pictòrics on el volum i la dimensió espaial en són els principals temes, fruit de l’experiència del modelat.

Vaciado de la figura. Última sesión

Modelado Final. Maria Maggi

Esbozo preparatorio de la escultura del libro

Realmente esta escultura fue fruto de la desesperación.


Tenía preparados los esbozos para un proyecto completamente diferente a este, pero a la hora de llevarlo a la práctica, me resulto prácticamente imposible y tiré la toalla.


Me autorretraté en un momento de ausencia total de ideas, un par de días antes de la entrega final…

Marc Tanguy

Vers Osaka 89×116cm

Marc Tanguy nos mostró en su conferencia, entre otras cosas, cómo diferentes artistas contemporáneos incluyen la fotografía en su proceso creativo.

El uso de la fotografía en la pintura es el punto que me resultó más controvertido de su conferéncia. Reflexionando sobre el tema me planteo asta que punto el uso de la fotografía en la pintura, se puede considerar como algo práctico, algo que agiliza el traspaso de la realidad sensible al lienzo, o algo que “atrofia” nuestra inteligencia perceptiva, que nos hace más vagos y poco a poco más dependientes de este medio.

Cuando solo se usa la fotografía, se anula el proceso mental y hermenéutico de comprensión, de análisis y de interpretación. Con la imagen fotográfica no es necesario entender el espacio u objeto a representar, éste queda plasmado tal cual en una retina artificial que prácticamente sustituye a la propia.

Así , aunque el resultado de la obra de Marc Tanguy es atractivo e interesante, el proceso que sigue para llegar a la obra final no me parece tan interesante, es mas, personalmente me parece que este proceso es prácticamente nulo. Es curioso como escoge una imagen de mala calidad, aunque si con una composición atractiva, y aprovecha la pixelación y la descomposición de colores que se crea. Este procedimiento me recuerda a los efectos que se pueden conseguir mediante el uso de los filtros de photoshop.

Al margen de mi opinión personal a cerca de su obra, he de reconocer que nos ofreció una conferencia interesante y muy completa. Con su intervención consiguió transmitirnos adecuadamente mucha información sobre su punto de vista sobre la pintura figurativa en un tiempo relativamente breve.

medalla policromada

Alba Ricart

Model

Medalla

PROCESOS . Maria Maggi

Hecha la investigación mi intención fue, ponerme a trabajar con el papel, como si fuera tela o tejido, quería ponerme a tejer o a componer una superfície.... Me interesó muchisimo el tema de la repetición modular a través de piezas geométricas, pero también la sutileza y sensualidad de los lenguajes más vegetales.


Floral




En el proceso aproveché los pliegues para ir uniendo y construyendo la superficie. En un primer momento los trabajé sin darles mucha importancia, ya que los pliegues los había proyectado para que se situaran en la parte interna. Pero luego fueron el punto clave, me sirvieron para romper la frialdad de la malla geométrica que estaba construyendo. Así que me dediqué a analizar las formas que podía tomar y me elección se decantó hacia la fusión entre pétalos y hojas... Realicé pruebas y un prototipo para asegurarme del resultado.





Bubbles





Quería desarrollar algo más orgánico, y todo vino a través de las cáscaras de frutos, y más concretamente la del cacahuete. Me interesaba su concavidad ondulante e "increcciendo", le daba un ritmo interesante, que desdoblé para enfatizar todo ese movimiento que producía esa morfología...Una vez acabado pensé en BÚRBUJAS, me venía a la mente la imagen del movimieto de unas burbujas, así que encontré el título.

Marinetti soñando

Marc Tanguy

Per Marc Tanguy, professor de l'escola Art Decó de París, tota la pintura es figurativa inclòs la pinzellada més abstracta, no deixa de ser un mirall del nostre interior. Per a un pintor de qualsevol disciplina, la incertesa pot esdevenir decisiva ja que realment, el fons d'aquest sentiment ja ho és de figuratiu.

Els treballs fets des d'una perspectiva lògica o científica no seran mai una obra ben feta, en canvi, els projectes desenvolupats a través del sentiment, seran, si més no, interessants.
Avui dia, la pintura es influenciada i bombardejada constantment per imatges provinents de tots els mitjans de comunicació, però la pintura segueix el seu camí. Precisa d'ells i també se’n oposa , aquesta ambivalència permet a molts pintors nodrir-se dels recursos visuals dels Media, mentre a la vegada hi defequen sobre ells.

L'art Contemporani és interacció, ecologia i qualitat de comunicació amb les formes.

Marc Tanguy treballa sobretot a partit d'imatges preses amb Webcam que li permet oferir una visió ràpida i simplificada de les imatges, jugant amb els límits i excessos de la matèria.
Per Tanguy, cadascú de nosaltres es relaciona d'una manera o d'una altra amb la matèria això ens ha de permetre expressar-nos amb llibertat i ens hem de deixar portar pel nostre costat irracional. La poesia és, doncs, el llenguatge de l’ànima.

Con todos ustedes, desde Francia, Maaaaarc Tanguy!!!!

El pasado jueves, día 7 de Mayo de 2009, se dio lugar la visita de Marc Tanguy (artista y profesor de dibujo y pintura de la Escuela ARTDECO) a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. El motivo de su visita fue para ofrecer una conferencia que mostraba su visión sobre la situación del Arte Contemporáneo en la actualidad y también aprovechó para mostrar imágenes de su obra reciente.

Tanguy comenzó la conferencia mostrándonos obras de artista que por algún motivo u otro considera influyentes o relevantes en el arte de la actualidad:
John Singer Sargent, Joaquin Sorolla y Bastida, Pierre Bonnard, Albert Marquet, Edward Hopper, Jean Fautrier, Richard Diebenkorn, Zao Wou Ki, Lucian Freud, Gerhardt Richter, Olivier Debré, Anselm Kiefer, Peter Doig, Malgorzata Paszko, Philippe Cognée, Alex Kanevsky, Karine Roche, Amy Bennett, Guillaume Bresson.

Me gustaría resaltar cuatro de estos artistas, desconocidos hasta el momento para mí. Cada uno por un motivo diferente me causó cierto interés estético.


Philippe Cognée



Guillaume Bresson



Amy Bennett



Alex Kanevsky


Finalmente Marc Tanguy¬¬, dedicó la última parte de la conferencia a dar a conocer su obra, un trabajo muy particular sobre la decodificación de las imágenes ficcionadas por los medios de comunicación.

“Je cherche à peindre ce qui se passe derrière le rideau des images. Ces tremblements, ces mystères, ces peurs invisibles et délicieuses, qui sont en vérité le monde réel : celui qu’on nous cache derrière le vacarme des médias, des peurs organisées, des crises de fin du monde : les images de terreurs qui nous aveuglent. Nous avons le choix : subir les images qu’on nous impose, ou choisir celles qui nous font vivre.”


Marc Tanguy - Expo Abril'09

Projecte2 medalló dibuixat amb freehand

BOCETOS MEDALLA.

Velocidad.

Deshumanización.

Máquinas.

Automóvil.

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Mis bocetos de mi medalla y de mi escultura-libro

Reflexión sobre el proceso de modelado

Mediante el modelado tomamos conciencia de la materia y de la forma de una forma práctica y paciente. Las formas van surgiendo poco a poco, vamos creando un dibujo en el espacio a medida que adaptamos la mirada.

El hecho de amasar el barro y comenzar a dar forma partiendo de cero, nos liga completamente a la figura que pretendemos modelar, así como a la materia en cuestión, a la tierra. Este proceso de creación requiere un gran esfuerzo mental, una intención de adaptar y plasmar la visión (casi siempre influenciada o estereotipada) de una forma objetiva.

En primer término, la visualización. Una proyección mental del modelo, en este caso reducida a escala, intuyendo la estructura principal y las proporciones básicas. Después de esto, sigue el perfeccionamiento. Consequir plasmar las línias básicas de las formas de un cuerpo, los distintos planos entrelazados por curvas orgánicas. (Esta ha sido para mi una de las partes mas difíciles.)
Finalmente, el acabado. La capa exterior que conformará el tipo de figura realizada. Tanto si la superficie es rugosa o extremadamente lisa, si las formas y proporciones esenciales son correctas o coherentes, la pieza creada adquiere ese "algo" que la hace especial. Cada pieza es única, subjetiva, puesto que las manos de cada uno son únicas, así como la forma de mirar, interpretar, y crear.

Modelar es para mi una manera de acercarse a la materia, un contacto íntimo con las formas. Un ejercicio de visualización y de concentración para poder crear.

Adrian Galindo

El llibre - Gestando guerras

PROJECTE DEL LLIBRE

Medalló - Cien años del futurismo

Peçes de metall dissenyades a mida amb Sólid Works, tallades amb aigua a pressió i soldades.
Semioculten el text i donen joc a moure-les per poder-ne llegir el que diu.

PROJECTE DEL MEDALLÓ

El projecte del medalló era més complex que el treball final, ja que vaig trobar una serie de dificultats a l'hora de treballar el ferro i fer les peçes a mida.

MARC TANGUY: “Mi punto de vista sobre la pintura figurativa contemporánea”

Alex Kanevsky

Marc Tanguy, artista francés y profesor de pintura en la escuela Art Decó de Paris, entiende la pintura contemporánea como pintura figurativa. Según él, una buena pintura es algo que no vemos; un sentimiento, un paisaje mental, etc. Ésta existe en el espíritu del espectador, y nos habla de la gran libertad del individuo, siempre que se sepa como expresarla.

La pintura precisa de todos los medios contemporáneos, del mismo modo que trata de todos los temas posibles, jugando con los límites y excesos de la materia (y del individuo).

Durante la modernidad, impera el individualismo, el arte de oposición. Es aquí donde la pintura comienza a adentrarse en nuevos caminos y donde se origina la pintura contemporánea. En el postmodernismo, es el sentimiento de interacción y de conjunto el que hace la pintura, ya que ésta no se puede separar del contexto en el que ha sido creada (como la literatura).

La pintura juega con la duración de la mirada. Es algo que la hace pertinente hoy en día, ya que consumimos una gran cantidad de imágenes superficiales, algunas de las cuales nos influyen a todos y definen nuestra época (como la publicidad, los grandes descubrimientos científicos y tecnológicos, el cine, internet, etc.). Se debe partir de este gran contexto, ya que es el instante el que habla y el que nos condiciona.

No obstante, lo que importa definitivamente es la poesía, ya que es lo que queda cuando suprimimos el discurso mental y nos desprendemos de todo.

Adrian Galindo

Escultura libro

No tengo la foto de la escultura terminada...gran fallo

Medalla futurista

Bocetos medalla

Modelado modelo

Sobre el modelar amb fang

Es curios com quelcom tan senzill pot tenir tanta historia darrere. Des del principi de l'historia de l'esser huma que el fang l'acompanya, es el passat i el futur del home. Tothom algun dia ha tocat el fang, des de el nen que juga a fer "pasteretes", el paleta que el barreja amb el formigo, l'artista que en fa una escultura, fins el pensador, filosof, poeta, historiador que en fan una reflexio sobre les seves condicions, usos, inconvenients, etc.

Al principi el fang era destinat a construccions de objectes cuotidians, poc a poc l'interes de l'home va orienta'l a formes mes belles fins atrapar la categoria d'obra d'art.
Personalment la experiencia amb el fang a sigut força victoriosa. He anat adquirint coneixements per mitja de la practica habitual, i ara ja no tinc por a l'hora d'establir amistats amb un grapat de fang. Crec que cal tenir un vincle especial amb ell, maneja'l amorosament, acaricia'l amb les mans, senti'l fins i tot, encara que amb una mica de paciencia, aixo si.

En resum, tot i que al principi el treballava una mica a disgust perque no el coneixeia al final l'hi he acabat agafant carinyo, m'agrada anar al taller, estar sola i treballar amb el fang, veure com de mica en mica aquella montanya cilindrica sense forma s'esta convertint en una bonica figura humana, amb la seva detallada anatomia.

Conferencia Marc Tanguy

El passat dijous 7 de Maig l’artista i professor francès Marc Tanguy ens va fer un conferencia sobre els artista contemporanis que eren mes del seu agrada, passant sobre l’actual situació que viu l’art.Segons diu la base de l’art d’avui en dia és totalment lliure. Ja sigui en base als temes o els materials i les tècniques. Es a dir que ens dona llibertat, no cal fer servir el cap sinó el cor. Cal deixar-se anar i guiar-se pels sentiments.
Sobretot m’agradaria destacar una fet. Quan ens parlava sobre quina obra d’art li agradava i perquè, senzillament ens va dir que aquella obra d’art que sense saber-ne res ens transmetia quelcom, era aquella la que valia la pena anar a veure. sincerament es el que penso. Per molt que vaja a un museu i em diguin que certa obra és una creació d’un gran artista, sinó em transmet alguna cosa, sinó fa que em queda mes de 1o segons mirant-la, per mi, i ho remarco personalment, aquella obra li falta la part més important.
Finalment dir que la conferencia em va encantar. Vaig sortir amb ganes de que algun dia arribar a fer alguna cosa que transmetés a molta gent.

Imatge d'un dels seus cuadres, potser un dels que m'ha cridat més l'atencio.

Lídia Guim i Garriga

Esbossos llibre

Lídia Guim i Garriga

la modelo

Esto solo es el principio...se preve un final feliz.

MARC TANGUY

Artista y profesor de dibujo y pintura, el pasado 7 de mayo dio una conferencia sobre como se encuentra el arte contemporaneo relacionandolo con su propia obra pero ejemplificando y haciendo mención a otros autores.

En el arte contemporaneo todo es posible, todo vale materiales, tecnicas...en definitiva que el artista es totalmente libre para representar, expresar y reproducir lo que quiera de cualquier forma, simplemente dejandose llevar por el momento.
Expone conflictos como el bombardeo de imagenes al que estamos sometidos, fronteras entre figuracion y abstraccion, etc. todo desde su propia afirmacion de que la pintura es figurativa.

Para el la pintura es pintura cuando expresa algo, cuando sugiere o trasmite sentimientos o sensaciones. Cada autor es diferente y trabaja de una forma diferente estos conceptos pero para el el fin es el mismo.

Massimo Arzilli

"Un examen que no acaba nunca"

El profesor Arzilli desentrañó para nosotros el significado de su última obra, expuesta en su ciudad natal: Perugia. Tanto éste como algunos de los otros trabajos que nos mostró presentan a Massimo Arzilli como un artista que trabaja la unión de conceptos aparentemente distantes, ya para empezar el título “Laterizio Massimo” es un juego de palabras con las que relaciona el material de la obra: el ladrillo (laterizio en italiano) y su propio nombre: Massimo. “Laterizio Massimo” consiste en una serie de torres de ladrillo de diferente altura repartidas por el que es probablemente uno de los pocos espacios más o menos llanos de Perugia: Il Mercatello. El escultor explicó además que éste era “un trabajo de la tierra con aspiraciones al cielo”. Aspirar a la levedad celestial con un material pesado como es el ladrillo es un proyecto verdaderamente ambicioso.
Aunque habló principalmente de “Laterizio Massimo”, también trató brevemente algunas de las problemáticas generales del artista, sobre todo del escultor. La vida, sobre todo la del artista – explicaba Arzilli – no es una llanura, está llena de altibajos, pero cada bache es un sufrimiento necesario para la creación. Y el primer obstáculo de todos la inseguridad laboral, vivir pendiente de encargos, de concursos y cargando de allá para acá nuestros trabajos. Nuestro oficio es, como dijo el profesor Arzilli, un examen que no acaba nunca.

Els primers apunts

libroescultura

materialización

desmaterialización

Marc Tanguy a Belles Arts de Barcelona

El passat dia 7 de Maig vam rebre la interessant visita del artista i professor frances Marc Tanguy.
Va donar una conferencia basant-se en la situacio que viu actualment l'art conemporani, fent un repas pels artistes que mes interessants li semblen a ell, tambe ens va mostrar la seva perspectiva artistica i de pas ens va deixar tastar una mica de la seva propia obra.

L'artista frances defineix l'art contemporani com el mitja d'expressio mes lliberal. I per tant la varietat tematica, de generes, materials, suports, etc. que aquest permet. Els artistes del qual treballen junts, un art que conviu en una societat de conveniencies que fa que cada vegada mes es necessiti del colectiu.

L'important per a Marc Tanguy es el moment, treballant aixi amb la intuicio, des de la seva part irracional tambe destaca el protagonisme de la calitat de comunicacio que un te amb les formes.
Les seves obres les fa a partir del pixelat d'imatges trobades.
Creu que una bona pintura es aquella que permet utilitzar qualsevol tipus de material i/o imatge, pensa tambe que per a ser verdadera ha de descriure quelcom que no veguem, com un paisatge mental. Destaca que tota pintura existent, encara que ens sembli totalment abstracta sempre ens evocara un punt figuratiu.

Fotos escultura libro

Figures ràpides

esbós llibre

Aquest és un esbós primer de l'escultura llibre.

Irene Sapé. Esbós de la medalla a llapis

original en cera del relleu.

Medalla y libro

Este es el resultado final de los trabajos realizados con la medalla y el libro.

Massimo Arzilli y su obra.

El pasado jueves 21 de mayo asistimos a una charla que el profesor Massimo Arzilli, de la Academia de las Artes de Peruzzia, ofreció en nuestra facultad.
En primer lugar nos hizo una descripción geográfica de la zona de Peruzzia y como esta, unida a la historia del lugar, condicionan y marcan el carácter de sus habitantes.
Seguidamente nos introduce en su obra y, más concretamente, en su trabajo con el ladrillo. Realiza una serie de construcciones de tipo minimalista que sitúa en espacios abiertos, utilizando únicamente ladrillos. Estas construcciones recuerdan al skyline de la ciudad de Peruzzia y a las numerosas torres que lo componen. Haciendo una comparación con los juegos de construcción infantiles, dice que sus torres son rascacielos de juguete. Demuestra una importante preocupación por el espacio y el modo en que interactúa con sus piezas. Pese a su carácter minimalista, destaca la importancia del modelado en el proceso creativo de un escultor y los temas vida-muerte como eje sobre el que conceptualmente gira su obra.
Así mismo, comenta las dificultades que atraviesa la escultura en comparación con otras disciplinas y sobre todo con la arquitectura. Remarca la circunstancia de que en Italia no existen facultades de bellas artes, lo cual las coloca en posición de desventaja.
Para finalizar, hace un recorrido por el resto de su obra en el cual encontramos modelados en terracota, tallas en mármol y algunas pinturas de técnica mixta entre otras.

Medalla Roda

esbós preliminar de la medalla per Alba Ricart

esbos de la medalla

Fotos de la medalla acabada, Pau Valls

Conferència perMARC TANGUY

Actualment estem invaits per imatges continuament , com pot ser que la pintura encara sobrevisqui? Per què la necesitem. Tots els mitjans de comunicació actuals fan que la pintura vagi lligada de la mà de les altres tecnologies.

Els mitjans audiovisuals però ofereixen una altre gama de tretext per reinterpretar la pintura molt ampliat i variat.

En l’art contemporani és  vàlid qualsevol tipus de pintura, material o suport fins i tot la temàtica que agafa tot el ventall de la universatilitat de una manera molt contemporanea

Les obres segueixen punts de vista dels autors per exemple, l’autobiografia, la fantasia surrealista basat en una teoria literària, fotogràfic, cerebral i transparent cada individu que crea té una metodología pròpia. (Garouste, Bonnard,)

L’exemple de Peter Doig que s’informa de documents per basar el seu mon imaginàri i alhora biogràfic.

Les formes denoten adaptació entre elles mateixes,postren la qualitat de comunicació ens evoca a la ecologia, una temàtica molt utilitzada.

Profunditzar amb el que veiem, la instalació de la mirada.

La relació que s’estableix entre la matèria i el contingut és única i intransferible i d’aquí que l’espectador absorveixi la qualitat visual i crei una emoció, opinió i sensació.

Alba Ricart Hernandez

Llibre

Lídia Guim i Garriga

Esbossos medalla futurisme

Al principi vaig tenir una primera idea la cual la seva base era un "ull", però finalment vaig optar per fer el desemvolupament de les ales d'un ocell.

Lídia Guim i Garriga

xerrada de MASSIMO ARZILLI a BBAA

El dijous passat vam assistir a l'exposició oral del treball escultòric Laterizio massimo de l'escultor i professor de l'Accademia di Belle Arti de Perugia Massimo Arzilli.

Es tracta d'una instal·lació constituïda per pilons de totxos que emulen les torres que omplien la ciutat de Perugia en el passat i que pertanyien a les famílies més riques de la ciutat (mentre més alta fos la seva torre, més poder adquisitiu tenien). 

Per a Massimo el laterizio (ladrillo) és unitat constructiva arquitectònica provinent de la indústria i també és peça d'argila modelada i cuita. Terra-aigua-aire-foc els quatre elements naturals es combinen en la ceràmica per donar lloc a aquestes unitats que farà servir com a peces de lego per a les seves construccions. 

Pel que fa al títol de l'obra, Laterizio massimo és un joc de paraules amb el seu nom: Massimo Arzilli vol dir màxima activitat, molt vivaç, alhora que s'assemblen fonèticament arzilli/argilla dels totxos de l'obra.

Segons l'autor és "un trabajo de la tierra con aspiraciones al cielo"

Medalla futurismo

Marina Pavía Ferni

PROJECTE DEL LLIBRE IMATGES

Alba Ricart Hernandez

PROJECTE DEL LLIBRE ESBOSSOS

Alba Ricart Hernandez

Mark Tanguy

Mark Tanguy vino a Barcelona y paso por la facultad de Bellas Artes para hablarnos de su relación con la pintura, de su trabajo, así como del de otras personas dedicadas a la pintura contemporánea.

Mark, ademas de vivir por la pintura se gana la vida enseñando a otros a que lo hagan, es profesor de dibujo y pintura en la escuela Art Decò de Paris.

Apunte alguna de las frases interesantes que dijo mientras hablaba acerca de la pintura contemporánea figurativa como por ejemplo que la pintura no habla por si misma sino que es el observador el que la reinterpreta, ¿es eso la incertidumbre decisiva?

También afirmo que para él, una buena pintura es aquella que describe algo que no vemos , un paisaje mental por ejemplo.

Comentó que el encanto de la pintura se basa en que a pesar de el ataque masivo de imagenes al que nos vemos sometidos en la sociedad actual por parte de la televisión y otros medios , ésta es capaz de utilizarlos y a la ver prescindir de ellos.

Habló de diversos artistas contemporáneos , de las diferentes técnicas que utilizan...

Los materiales, la tensión que generan, la gravedad, el dialogo, los limites de este...

Conclusión:

La vida es un viaje con baches.

El Llibre

Proposta del Llibre d'artista

Mi libro, de Dante Allighieri. Éste fue un destacado poeta italiano. Su obra maestra, “La Divina Comedia”, se considera la mayor obra literaria compuesta en italiano y una obra maestra dentro de la literatura universal.

A pesar de ser un prestigioso artista yo no he acabado de comprender su libro ya que éste está en italianii. Así pues, he querido jugar con dos ideas o conceptos en este trabajo: por un lado, la incomprensión (que seria la destrucción del libro) i, por el otro lado, la importancia de una obra maestra (representando esta importancia mediante la creación de un cubo de vidrio impenetrable que aguarda i muestra claramente el libro).

Medalla

Conferencia Marc Tanguy

A día 07 de Mayo del año 2009, en el Aula Plató de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, Marc Tanguy –artista y profesor de dibujo y pintura de la Escuela ARTDECO- dio una conferencia basada entorno a la situación en la que vive el Arte Contemporáneo en este momento, centrándose después en su propia obra, que también nos mostró en dicha sesión.

Era la primera vez que un artista veterano ajeno a la Facultad nos daba una conferencia y dio mucho qué pensar:

Nos hizo reflexionar sobre la actualidad tanto del Arte en si como de los Artistas que lo forman. El profesor Tanguy plantea el cambio de papel que han sufrido los artistas en los últimos años: Empezaron siendo artistas individualistas pero, en esta sociedad de conveniencia e interés se requiere, cada vez más, del colectivo. Grupos sociales para poder funcionar mejor entre ellos, aunque cada uno de ellos adquiera su método particular, ya que la pintura no deja de ser algo íntimo y cada artista decide que técnica le conviene más usar; acrílico o óleo, pincel o paletilla…
También plantea todas las posibilidades que permite este neo-arteˡ puesto que se puede llevar a cabo en todos los campos posibles. Destacó su variedad temática, de géneros, procesos y/o materiales que se pueden emplear como puede ser utilizar fotografías para crear pintura, exponer las obras a la intemperie (dejar que la naturaleza ejerza como buena artista que es). Por eso se caracteriza por su eclecticismo. Añadió a esto que el arte Contemporáneo es un mundo de interacción, ecología, donde las formas se adaptan. Para él, lo importante es la calidad de comunicación que uno tiene con las formas. Trabajar con armonía con el entorno. Con la materia.

Tanguy define al Arte Contemporáneo como el medio que permite expresarse con más libertad, dejándose llevar por los sentimientos y/o emociones. Debido a esa libertad, por ejemplo, es posible ver en la pintura contemporánea un retrato aunque el retratado no esté mirando a cámara. Digamos que todo lo que no se puede hacer con el resto de artes, se puede hacer con el Arte Contemporáneo.

El profesor Tanguy se centró, durante toda su exposición, sobretodo en la pintura; Afirmó que el arte es expresión y debe provocar sentimientos, así como la buena pintura. Él considera que la pintura verdadera es aquella que permite usar cualquier tipo de material y/o imagen posible.
Tanguy nos sorprendió cuando dijo que toda la pintura era, en el fondo, figurativa. Que basta una sola mancha o pincelada para poder hablar de representación de algún objeto.

Neo-arte ˡ: concepto de la autora del presente escrito viniéndose a referir al Arte Contemporáneo, Arte nuevo. Es decir, arte que rompe con sus antecedentes y, en vez de crear, mezcla y remueve técnicas, procedimientos, etc. Podríamos decir que los pintores contemporáneos son innovadores pero que a la vez están anclados en la tradición, en ocasiones.
La pintura, dice, se opone a los medios contemporáneos de invasión de imágenes. Hoy en día, consumimos imágenes a tal velocidad que se nos hace imposible procesarlas, tan solo muy superficialmente. Es como si estuviéramos en una piscina de imágenes y éstas apenas nos dejen salir a respirar. Ese colapso y acumulación de imágenes no se produce con la pintura puesto que es estática y la podemos observar el rato que queramos.

Afirma que la racionalidad hace de la gente más indecisa y poco espontánea. Teniendo en cuenta que lo importante para Tanguy es el instante, éste trabaja desde su irracionalidad, se fía de su intuición. Cuando nos alejamos de lo cerebral podemos entender la poesía (donde se encuentra el arte). La poesía es el sentimiento que te permite querer una obra de arte y “es aquello que queda cuando lo has quitado todo”.

Tanguy También incorporó al visionado imágenes de su obra. Él trabaja con pintura a partir de fotografía, y con imágenes tomadas de Web cam así como con fotografías pixeladas.
Le gusta jugar con la mirada del espectador, como dijo, le interesa motivar reflexiones respecto el entorno, el artista y el receptor.

Yo, personalmente me quedo con una frase suya:

“Es interesante osar a aceptar errores”

Es decir, del riesgo se saca provecho.

Por último me gustaría transcribiros la respuesta de Tanguy ante una pregunta que le formuló uno de los alumnos presentes en la conferencia.

Tanguy: -“Toda la pintura es figurativa”-

Alumno: -“¿Y la obra de Mondrian, también es figurativa?-

Tanguy: -¿Qué vemos en la obra de Mondrian?-
-Nueva York-.


N. de A.: Parte del escrito está basado en la conferencia aunque también incluyo opiniones y frases propias para aportar más información al tema.

FOTOS MEDALLA

FOTOS LIBRO

PROYECTO MEDALLA (Bocetos)

PROYECTO LIBRO (Bocetos)

MARC TANGUY “Mi punto de vista sobre la pintura figurativa contemporánea”

El jueves día 7 de mayo, el artista francés Marc Tanguy (también profesor de dibujo y pintura de la Escuela “Artdecó” de París) nos ofreció una conferencia.

En su charla nos habló de varios artistas contemporáneos de su interés, mostrando algunas imágenes de sus obras y comentando los diversos materiales que utilizan. Su idea es que todo el arte pictórico es figurativo y por lo tanto representa alguna cosa. Posteriormente­­, nos explicó como trabajaba sus propias obras pictóricas, a partir del pixelado de imágenes de Internet y fotografías con webcam.

Tanguy sugiere trabajar sin utilizar el cerebro de forma racional. Piensa que las obras reflejan los sentimientos e ideas de autor durante su creación. Para él lo que importa definitivamente es la poesía, ya que, en sus propias palabras, “al final es el instante el que habla”.



Embarquement, huile sur toile. 114x146cm. Oil on canvas.© Marc Tanguy 2008

He escogido esta pintura suya, ya que me pareció muy interesante ese pixelado en colores azules, verdes, violetas, y el efecto fluorescente que obtiene.

Marina Pavía Ferni

PROPUESTAS ESCULTURA LIBRO

A modo de repetición de un módulo hexagonal se va construyendo el volumen de manera que las partes exteriores en forma de pétalos se van sugiriendo creando un lenguaje floral.

Por otra parte he trabajado en busca de una morfología andulante, de volumenes redondos a modo de Burbujas, esta pieza, parece mostrar la cáscara de un fruto,....


Maria Maggi

Procesos

Maria Maggi

Relleu

El futurisme té l’objectiu de fer art amb tots els recursos de la ciència i de la tècnica, d’establir noves formes, noves línies, una nova harmonia de perfils i volums, doncs, innovació. En ell destaca una sensibilitat y un gust per lo lleuger, pràctic, efímer, àgil, dinàmic, mòbil, etc.
Per tant, el Futurisme és l’art del càlcul i la senzillesa, deixant enrere tot lo decoratiu.
Els artistes hem de trobar la inspiració dins els nous elements que rodegen aquest món tan mecànic que hem creat.

Jo he volgut interpretar aquests conceptes i valors futuristes amb la meva obra, transformant una peça quotidiana en una altre més àgil i dinàmica, veloç i simple.
La seva dimensió és de 18 cm de diàmetre i amb una alçada de 8 cm aproximadament.
La combinació de color blans amb platejat dóna un aire mecanitzat a la peça i sembla ser més lleugera.

Conferència 7 de Maig

Marc Tanguy, artista i professor francès de l’Escola Nacional Superior d’Arts Decoratives, ha aprofitat la seva estància a Barcelona per venir a la universitat a fer-nos una conferència molt enriquidora, amb la finalitat de mostrar-nos la seva perspectiva artística, els seus valors i conceptes artístics i informar-nos, també, d’un seguit de pintors que ell els classifica com a excel·lents artistes, com per exemple Peter Doig i Karine Roche. Finalment ens ha ensenyat un recull de la seva obra pictòrica.

Així doncs, l’artista ens ha mostrat la seva opinió respecta la pintura contemporània, segons ell figurativa. Tanguy diu que una pintura dolenta és aquella que mostra una mera descripció d’allò que està representant l’artista i, en canvi, una bona obra d’art és la que expressa i representa el sentiment de la descripció. Però, tot i l’esforç de l’artista al plasmar la seva obra, sempre acaba essent l’espectador qui interpreta finalment l’obra, la forma. Cada lector dóna un significat diferent de l’obra, limitat a una única perspectiva provinent de les experiències viscudes per cada un.

També ha estat interessant el que ha dit l’autor quan comentava que, anteriorment, cada moviment o corrent artístic que sorgia nou s’imposava líder sobre els que hi havia abans que aquest, deixant aquests últims de banda ja que els considerava menys vertaders que el nou moviment, i així successivament. Avui en dia, però, tots els pintors, amb els seus respectius estils, s’ajuden i col·laboren els uns amb els altres ja que, malgrat que la carrera de pintor acostumi a ser molt solitària, entre tot el conjunt de pintors, en general, hi ha una gran solidaritat.

Per finalitzar, Tanguy ens ha fet una explicació de la seva obra pictòrica, la qual té relació amb la fotografia, encara que aquesta relació no és mecànica. És a dir, l’artista, a partir de fotografies molt pixelades crea les seves fantàstiques obres. A vegades, inclús crea més d’una obra a partir d’una sola fotografia. En aquestes obres, la característica que destaca més és la utilització dels colors tan vius i vibrants que utilitza l’autor. Tanguy juga amb els colors, crea composicions amb aquests, juga amb la matèria. L’artista entra en un diàleg amb la mateixa pintura, experimentant amb ella i amb les limitacions d’aquesta i del propi autor. Doncs, l’obra que crea, aquestes pintures, són un instant d’inspiració i creativitat, no són simplement un objecte. En l’art l’instant és el que parla, la poesia del moment.

la XERRADA del Marc Tanguy a l'aula Plató BBAA

Lagune rouge II (Marc Tanguy)

"Pintura figurativa contemporània"

Marc Tanguy - pintor i professor de l'ENSAD (École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs) a París: "les formes no diuen coses clares en sí mateixes, és l'espectador qui en treu una interpretació". Així és com comença la xerrada aquest artista francès que afirma que tota pintura, per molt abstracta que sembli, ens evocarà sempre quelcom figuratiu.

La pintura de veritat no és aquella que té una gran tècnica, sinó aquella que pot mostrar allò que no es veu: un sentiment, un paisatge mental... I per a arribar a aquest clímax l'artista ha d'establir un diàleg íntim i personal amb la matèria que treballa. N'ha de conèixer els límits.

L'art és el domini on expressar la nostra llibertat. El treball no racional, el més sentimental, serà el que ens aproparà a les coses més universals, a la poesia de l'obra.

Pel que fa a la seva forma de treballar, Marc juga amb la idea de la duració de la mirada sobre la imatge. Avui dia estem inundats d'imatges que mirem fugaçment. Per captivar l'espectador crea aquests paisatges onírics a partir d'imatges informàtiques de poca qualitat, molt pixelades, que ens retindran uns instants. 

conferencia Marc Tanguy

resumen conferencia:

El punto de vista de la pintura para Marc Tanguy es considerar que toda la pintura gira entorno a la figuración, puesto que tiene una relación natural con la forma y es el espectador quien interpreta la forma y le da el significado. El arte no es una lógica acabada, las cosas no dicen una cosa sino que es el espectador el que da el significado y forma.

Para él la pintura buena es aquella que proporciona un sentimiento de descripción y hace que exista en el espectador un sentimiento, la pintura mala ,sin embargo dice que es aquella que no muestra un sentimientod de descripción.

Como artista piensa que está solo, cada artista es singular y que a la vez se trabaja en un universo colectivo, dado a los cambios que hemos sufrido desde el movimiento modernista cuando a principios era muy individualista y de oposición, pensaba tener la verdad en contra de la anterior, ahora es muy diferente los artistas trabajan juntos,es un arte de interacción junto con un mundo de tecnología donde la perfección de las formas no es lo que importa.

Sus trabajos tienen relación con la fotografía , trabaja a partir de imágenes que encuentra en internet, webcam...

La pintura juega con la duración de la mirada y eso es lo que hace ser pertinete hoy en día, ya que cosumimos muchas imágenes a lo largo del día muy superficiales.

Cuando uno trabaja con la pintura se establece una relación de diáloágo jugando con los límites de la materia por que cada uno de nosotros tiene una relación específica con el material que estemos utilizando, es como una relación de pareja en la que ocurre muchos eventos en la que a veces uno gana y otro pierde.

medalla

primeros bocetos modelado

Conferencia de Marc Tanguy

En esta conferencia, Marc Tanguy nos ha impartido una clase teórica sobre la pintura, enseñándonos imágenes, y explicándolas, valorándolas, criticándolas, etc. Como dije en la conferencia, me impacto mucho esta sesión y me dió muchas ideas ya que era la primera vez, que un veterano en el campo de la pintura, nos hablase tan directamente y personalmente sobre ella y me hizo pensar mucho.

Tanguy piensa que toda pintura en el fondo es figurativa, cualquier cosa (mancha, color, pincelada) representa algo. Hoy en día estamos invadidos de imágenes que nos llega. La pintura se opone a los medios contemporáneos de bombardeos de imágenes.

La pintura contemporánea es amplio y variado de temas, géneros, materiales, procesos... Toca todos los temas: literarios, retratos, biografía, histórico y todos los métodos o procesos: pintura reconstruida, trabajar a partir de fotos, cómics, dejar luego las obras bajo la lluvia... La pintura contemporánea permite toda clase de procedimientos. El pensaba que la pintura verdadera utiliza todo tipo de imágenes y materiales. Este arte trata de explicar los sentimientos interiores de el artista. Decía que la esencia de la pintura la tenemos en la cabeza y no en el objeto a tratamos en un cuadro. Hoy en día la pintura se centra en la calidad de comunicación que uno tiene con las formas y no solo sobre la perfección de ellas (que tanto se había visto en el pasado). Algo que me gusto muchísimo y que sigue haciéndome pensar es que el dijo que "la pintura juega con la duración de la mirada" como queriendo decir, que si te quedas más tiempo mirando u observando el objeto a representar mas se empapa de los sentimientos e ideas que estas pensando en ese mismo momento, esa es mi interpretación.

Dijo que es el instante el que nos habla y lo que importa, es la poesía... cuanto más mecánico uno es menos uno crea... trabajar sin utilizar el cerebro para poder tocas temas universales. 

Escultura-llibre final: LA BUTACA

Adrian Galindo

Projecte escultura -llibre.

La meva primera idea era fer dues cadires, una taula i una làmpara de paper. Finalment em vaig decidir a fer només una cadira-butaca, tota de paper . Per tenir una referència, parteixo d'una foto d'una butaca, d'on vaig extraient les mides per poderla fer a escala real.

Per poder construir-la, trec les pàgindes del llibre i les uneixo. Després, hi dibuixo el desplegament de les peces. Les dos peces de la foto son les potes, la de davant i la trasera, respectivament. Les altres parts de la butaca son diferents peces, però el mateix procediment.

Adrian Galindo

Relleu final

Aquest es el relleu final. El vaig fer primer amb plastilina sobre una fusta de 18x18. Despres vaig fer un motllo de silicona liquida, el qual vaig omplir amb escaiola.
Finalment, he fet una pàtina de goma-laca amb pigment blanc per aconseguir un millor acabat.

Adrian Galindo

projecte medalla

Despres d'informar-me sobre el futurisme, i de fer una recerca d'imatges i de obres d'aquest moviment, vaig escollir aquesta obra de Gino Severini. Les formes d'aquest quadre em sugerien moviment, i la composició i la distribució dels elements em permetien visualitzar el futur relleu.

Esbozos escultura libro

Marina Pavía Ferni

apunts rapids modelatge.

aquest es un dels apunts rapids que vam fer el primer dia.

MARC TANGUY

Arte, entorno y sentimiento.

En un mundo en el que cada vez más estamos invadidos por imágenes, la fotografía y la pintura han debido aprender a convivir, a alimentarse artísticamente una de la otra. La obra de Marc Tanguy es el magnífico fruto de esa convivencia. Marc parte de imágenes de web cam o fotografías pixeladas y las interpreta en sus pinturas, en las obras que nos enseñó podemos ver cómo ha creado todo un lenguaje pictórico personal con el que poder explicar su relación sensorial con las imágenes originales, es un diálogo a cuatro bandas: el entorno (del que recibió la imagen), el artista (que narra su visión realidad del entorno a través de la pintura) y el receptor (que recibe el impacto emocional del trabajo del artista).
Poseemos una relación natural con las formas - explicaba el profesor Tanguy-, toda pintura es figurativa. El artista contemporáneo trabaja en los límites de la forma y de la materia, juega con la mirada del espectador para tratar de conmoverle. El arte es expresión y una buena pintura debe arrancarnos un sentimiento.
La filosofía de Marc Tanguy es trabajar desde la irracionalidad, centrarse en lo intuitivo; pues si nos alejamos de lo cerebral y lógico podremos entender aquello que de verdad es importante: la poesía, es allí donde se encuentra el arte.

Elena Cañizares Mora.

Escultura libro

Mientras me hojeaba el libro, encontré una imagen hacia la mitad de este, que me gustó, asi que esa fue mi inspiración.

Marina Pavía Ferni

Articulo

Conferencia de Marc Tanguy

El professor de pintura de l’ENSAD, Marc Tanguy, va fer una conferencia on exposava el seu punt de vista sobre el món de la pintura en l’actualitat, sobre la seva obra i el procés de creació emprat.

La pintura és la via per expressar sentiments, tant de l’objecte pintat com del qui l’interpreta; es un gènere adaptable a tot tipus d’imatge, material i suport, com la fotografia, vídeo, etc. Per això necessita aquests nous mitjans per innovar-se, però a l’hora en prescindeix, ja que per la seva antiguitat i acumulació d’experiències, per diferents autors, s’ho pot permetre. La pintura s’adapta però pot mantenir aspectes més arcaics o tradicionals d’aquesta.

Però sobretot per marc la pintura és una eina per manifestar la relació entre un individu i el seu entorn i la matèria que el forma, com a camí per poder expressar aquest lligam invisible però perceptible.
També va comentar la situació social de l’artista actual dins de la societat, com ha canviat el seu paper individualista per formar part d’un món cada cop més col·lectiu i dinàmic, on cada cop la gent esta més comunicada i l’intercanvi d’informació és més distant i ràpid.

En Marc va finalitzar la seva conferencia dient que lo essencial es troba en la poesia i els actes més irracionals, ja que la racionalitat molt sovint ens fa dubtar tornant la gent indecisa i poc espontanea.

Es tracta d’una pintura de Guillaume Bresson. L’he triada a part de que m’impressiona i em fascina, en certa manera em sento identificat, o bé voldria poder-m’hi identificar, no tant per la temàtica violenta i revolucionaria sinó més aviat per la metodologia de treball i el resultat que n’obté.

Pau Valls Rodríguez.

Escultura 2, T2.

Marc Tanguy, “Mi punto de vista sobre la pintura contemporània”:

Marc Tanguy, pintor i professor de l'escola d'art francesa ArtDecó. Ens situa en un moment en el que la imatge té gran importància, actualment, rebem milions d'imatges per molts mitjans diferents, imatges que processem de manera ràpida i superficial. Tot i així, la pintura continua amb vida i amb un paper prou important.

Tanguy, comença plantejant diferents conflictes o be qüestions que podem trobar en gairebé qualsevol pintura contemporània, i ens les exemplifica amb imatges i obres de diferents autors, des de Gerard Richter fins a esbossos de Rembrandt. Conflictes que poden ser des de la pèrdua de l'artista com a individu autònom i solitari a passar en un univers col·lectiu pràcticament basat en la interrelació, fins a trobar quins són els límits de la matèria, per poder jugar i treballar amb ells, posar aquestes limitacions del costat de l'artista.

Un dels punts forts i conflictius del seu discurs és que per Tanguy no hi ha una frontera entre la figuració i l'abstracció, per ell les dues són idees o sentiments, que l'artista en capaç de materialitzar, ja sigui mitjançant formes i colors coneguts (entendrem que és la figuració) i per altre banda també es pot materialitzar amb un deixar fluir l'ànima de manera que poden aparèixer noves formes, textures...que no ens siguin familiars (abstracció). Tot i que Tanguy si que defineix millor l'abstracció i ens diu que la pintura abstracta és únicament sentiment o idea mental, tot i així no ens marca la frontera, de fet, ens diu que tot la pintura és figurativa, que la pintura és una cosa que duem dins e l cap i no un objecte material.

També ens diu que la bona pintura és aquella que transmet un sentiment o emoció, de manera que participa directament de la interrelació, i també cal dir que no hi ha un criteri unitari o vàlid. Una altre afirmació de Tanguy que he trobat de gran interès és que ens diu que no es pot separar la pintura o l'obra de l'entorn on s'ha dut a terme. Crec que és una dada molt important a tenir en compte ja que l'entorn, l'estat d'ànim... afecta directament al resultat final i per tant afecta també les possibles lectures o sentiments que pugui evocar l'obra.

Finalment, Tanguy mostra part de la seva obra, explicant la metodologia duta a terme (Tanguy, sol treballar amb fotografies, fins-hi tot amb imatges fetes amb webcams i les distorsions que comporten. Es tracta d'un treball molt pictòric, en certa manera sembla un terme intermig entre figuració i abstracció, amb direcció cap a aquesta darrera.

Per acabar, felicitar i agrair a Mac Tanguy per aquesta conferència.

Pau Valls Rodríguez.

Escultura 2 T2

Marc Tanguy.

En la charla del jueves pasado se trató el tema de la pintura figurativa y de la interpretación de ésta.

Marc Tanguy nos habló de que es el espíritu del espectador quien interpreta la pintura y a la vez también quien la puede sentir como una buen pintura.

Se habló de lo sumamente influenciados que estamos por todas las imágenes de las que estamos invadidos y de lo sorprendente que sería pensar que la pintura pudiera desaparecer.

El campo de la pintura precisa y a la vez se opone a todos los medios contemporáneos, por lo tanto cada creador o artista tiene su propio medio para desarrollar su obra; por ejemplo para Marc Tanguy la pintura se complementa de la fotografía y viceversa.

Marc Tanguy compartió su obra con nosotros y comprobamos la lógica de que para él la pintura se complementaba con la fotografía y a l revés ya que el utiliza un modo de crear que se trata en la recopilación de fotografías ya sean sacadas de Internet o web cam y las reproduce fijándose en ellas y asignándolas ciertos cambios de color, forma...según su propia visión. Él opina que hay que jugar con los limites de la materia y su filosofía de la pintura trata del juego con la duración de la mirada.

Apunts ràpids

Conferència de Marc Tanguy+foto d'artista

Obra de Zao Wou Ki

Article sobre Marc Tanguy

Marc Tanguy: És un personatge el qual és possible identificar-lo com a visionari de lo quotidià, té una tècnica sorprenent a l’hora d’analitzar la realitat que es desplega al voltant de la percepció visual comuna, i de tal forma, comuna, és la realitat representada en les seves obres.
En la seva manera de percebre la realitat, si pot veure la independitzada visió d’un home singular en un univers comú on, la interacció dels elements cobra una importància vital sempre, des de una perspectiva universal pel que fa a la temàtica.
La seva concepció de l’art és, la de la pintura que arriba a transmetre el sentiment del que allà hi ha representat, per tant va més enllà de la pintura estèril que tant sols descriu físicament els elements.
El seu treball creatiu gira al voltant de la tècnica fotogràfica en certs aspectes, a més el món d’imatges que ell dona a conèixer és de contingut molt actual, amb els aspectes positius que et dona la tècnica i la part més descontrolada o elements catalogats com erronis dins el món de la fotografia i que són inevitablement presents dins la nostre concepció del procés de pressa d’imatges. De fet un element a valorar dins la obra i concepció pictòrica de Tanguy és la facultat per aprofitar, múltiples vegades, el contingut d’una fotografia.
Pel que fa a la matèria que utilitza per elaborar les seves obres, se’n pot recalcar la seva tenacitat per portar-la fins el límit per tal de trobar formes expressives noves,que resultin profitoses per la seu treball. Tot i que admet que s’ha de reconèixer fins on es pot arribar a exprimir-se una matèria, diu que no han de suposar un problema sinó que han de jugar un paper a favor de qui la manipula.
En els resultats finals s’hi pot veure una clara disposició de fitback amb l’espectador, un dialeg que prové desde la llibertat amb què s’ha fet l’obra, per tant, conecta a l’espectador amb l’artista a través d’un vicle pictóric, que va més enllà de la mera observació de l’obra, un diàleg amb la matèria.



Pau Gomà
Escultura II