reflexió sobre el modelat.

Diuen que modelar ve a ser una tècnica cognitiva que consisteix en crear una representació ideal que reflexa alguns dels aspectes d'un objecte real. Per tant, se'l pot considerar com una simplificació de la realitat de la que se'n desprèn la intenció del modelador, en sigui ell conscient o no.

És cert que l'activitat del modelat passa necessàriament per un procés mental: es tracta de reconèixer una forma, apropiar-se'n d'ella i refer-la segons el nostre gust i les nostres capacitats (d'abstracció, de representació, del domini d'una tècnica, etc). Però crec que el modelat és més que tot això. M'atreviria a dir que respòn a una necessitat (exclusivament) humana de crear i, fins i tot, de recrear el seu ànim (en el sentit de donar-li plaer). I no només parlo del fet de crear quelcom (des d'un punt de vista rudimentari); crec també que es tracta, finalment, d'injectar una dosi de vida a allò que és creat; fer realitat, mitjançant les nostres mans, el prototip d'aquella idea de la qual partim fins al punt d'arribar a una coherència formal que li proporcioni algo així com una força vital particular, un sentiment, un primum principium vitae.

Transformación del libro

Relieve "Tabla táctil" - Sudán - Paris

inspirado en la tabla táctil futurista "Sudán -Paris" deMarinetti

Conferencia de Massimi Arzilli

Al ver la obra del artista, las torres inclinadas, arquitecturas, formas geometricas, columnas .. lápidas que se reúnen en un amplio plano verde de un parque. En seguida asocié una pintura de Paul Klee. En la pintura de Klee parece que las formas arquitectónicas cobran vida, caminan.. Algo parecido me sugerieron las torres arquitectónicas de Massimi Arzilli. Tenian un aspecto humanizado al inclinarse ligeramente una torre a otro y en diferentes direcciones. Para mi fue un aspecto muy interesante.

Conferencia mark Tanguy

Mark Tanguy nos introdujo a su percepción personal acerca de la pintura contemporánea. Se refería entre otras cosas que la pintura es un encuentro de muchas fuentes posibles. Me ha despertado interés en buscar referencias y imágenes de las artistas que mencionó en clase. A su lista de pintores que a él le interesan me gustaría añadir en este blog pinturas de Neo RAuch, un pintor contemporáneo aleman. Su trabajo se fundamenta en fuentes tan diversas como las vanguardistas rusas y el posterior realismo socialista, el romanticismo alemán, el surrealismo o la estética del comic clásico. De la fusión de todos estos elementos surgen unos cuadros grandiosos, mezcla de sueño y verdad, pasado y presente, enigma y revelación, realidad y ficción virtual.

Escultura modelat

Modelat

Escultura de modelo

Irene Miranda Rodríguez

Transformación del libro

Libro convertido en árbol con forma de lámpara

Relieve Futurista

Representa la dualidad entre ser y animal

Proyecto de Erika

Después de haber parido una criatura en barro, te la llevas a casa y la vacías para cocerla, proceso que jamás había hecho. Entonces empiezas a querer perfeccionarla, ponerle otro taburete, hacerle la "piel" más homogénea, ves los errores cometidos y piensas que nunca va a acabar el proceso de mejoras. Pero como a un hijo (imagino) le quieres tal y como es.

Figura de barro

els relleus poden amb mi...

Massimo Arzilli en la Facultad

21 de Mayo de 2009, Massimo Arzilli, artista y profesor de la Academia de las Artes de Peruzzia realizó una visita a la facultad de Bellas Artes de Barcelona. El motivo de su visita fue para dedicarnos una pequeña charla y mostrar su trabajo más reciente.

Massimo comenzó la charla haciéndonos una breve introducción sobre la situación geográfica e histórica de su pueblo y a continuación nos mostró su obra en formato de video. Laterizio massimo, consiste en una serie de piezas formadas por ladrillos de arcilla dispuestas en el espacio verticalmente. Según Massimo su obra conserva una relación formal con las torres que en la edad media se erguían en toda Peruzzia.
Personalmente no me dejó indiferente la obra de Massimo Arzilli, sus piezas me gustaron bastante, aunque no tanto la forma en como las presentó (un video un tanto pretencioso). Su obra es muy cercana, tengo la sensación de que siempre la he conocido, te permite acercarte y nunca te abrumará con su charla.

Para terminar la charla, Massimo estuvo contrastando con los presentes su visión sobre el papel del escultor en la sociedad actual y la relación que siempre ha habido entre escultura y arquitectura y que hoy día se ha enfriado.

medalla centenario

Escultura final, modelo.

conferencia Mark Tanguy

Me gusto mucho como Mark Tanguy explicó sus teorías sobre la pintura. Ésta, según comenta, se nutre de la fotografía y la fotografía se nutre de la pintura. Él piensa que los artistas trabajan juntos actualmente no como en los ismos. Comenta que lo importante es la percepción de las formas la cual surge de nuestros sentimientos. La pintura juega con la duración de la mirada. La creación a partir de la materia es una de las cosas que Mark insistió también, ya que dice que es muy importante que haya un diálogo entre éstas. Hay que jugar con los límites y los excesos de ésta materia para crear un vínculo y una comodidad con la pintura, además de una relación especial. Insiste en que en el mundo hay mucha libertad y que hay que saber expresarla. Los errores hay que saber aceptarlos como patria. Tenemos que tener en cuenta que la persona i la pintura son como una relación de pareja y tenemos que tener presente que habrá rachas buenas y otras de malas. Mark comenta que el instante es el que habla y que lo que importa definitivamente es la poesía. Sugiere trabajar sin utilizar el cerebro y trabajar con lo más universal. Insistió que la lo abstracto siempre es una figuración subjetiva.

Marc Tanguy

“La peinture joue avec la durée du regard, ce qui fait la peinture pertinante, en comparaison aux autres genres d’images qu’on regarde rapide et superficiellement.”

Marc Tanguy

Marc Tanguy, professor de l’escola ENSAD de París, ens va sorprendre a tots quan va començar la conferència afirmant que “tota pintura és figurativa”. De seguida es va explicar posant-nos un exemple clarificador: una bona pintura és aquella que interpreta allò que no veiem a la realitat, que s’acosta més a un paisatge mental que real; per tant, la pintura que representi figurativament un ocell no serà tan bona com aquella que descrigui el sentiment d’aquest ocell.

Partint doncs d’aquesta concepció, ens va estar argumentant la validesa de la pintura contemporània en una cultura caracteritzada per la saturació visual, i el fet de que sigui factible que una disciplina com aquesta, tan qüestionada en els últims anys, segueixi convisquent paral·lelament amb qualsevol altres tipus de pràctiques visuals. Segons Tanguy, malgrat les diferències que s’observen en la producció pictòrica contemporània, ja sigui a nivell de temes, tècniques, materials o conductes processuals, hi ha quelcom que els artistes plàstics comparteixen: més enllà del significat que es generi d’una tela, tots partiran de la voluntat d’assolir un grau òptim de qualitat en la comunicació de la forma. És a dir, no es persegueix la perfecció formal per sí sola; es tracta més aviat de la capacitat que té la forma per dir alguna cosa. Ara bé, el més interessant és que aquesta cosa no sigui una sola, que es pugui captar en un tancar i obrir d’ulls, sinó que sigui tot un seguit d’estímuls rere estímuls.

Això només succeix si s’estableix una relació dialèctica constant entre el pintor i la matèria; també si, en aquesta relació, el pintor té l’habilitat de ser capaç d’intervenir oportunament en el moment en què ha d’obtar entre un excés o una carència de matèria; i finalment, si la sensibilitat del pintor li permet acceptar l’error, o millor l’accident, com un èxit i no com un destorb.

Després de sentir les paraules de Marc Tanguy segur que molts de nosaltres ens vem sentir encoratjats, cosa que no passa gaire sovint en moments artístics com els que vivim. Per això s'ha d'agrair l'acte de fe que alguns professionals com ell saben tenir, i a més compartir.

Marc Tanguy, Embarquement (2008)

medalla

Desfragmentació d'un cotxe i recomposició en moviment.

inspiració per la medalla

Umberto Boccioni, Líneas y fuerzas de una botella (1912)


El meu punt de partida va ser Boccioni: la seva interpretació del moviment d'una botella, al més pur estil cubista -però ideada a partir del pensament futurista-, i el què va escriure en el manifest: "Hay que partir del núcleo central del objeto para descubrir nuevas formas que lo atan invisible y matemáticamente al infinito plástico aparente y al infinito plástico interior".

Dibujos de barro. El Modelado.

Cuando modelo tengo la sensación de estar dibujando en un papel, aunque en este caso el papel es el espacio. Las palabras de John Berger no pueden describir mejor la estrecha relación que en este tiempo he aprendido entre modelado y dibujo.

“La tercera dimensión, el volumen de la silla, del cuerpo, del árbol, es, al menos en lo que concierne a nuestros sentidos, la prueba misma de nuestra existencia. Constituye la diferencia entre el mundo y la palabra.
Al mirar al modelo, me maravillaba el simple hecho de que fuera sólido, de que ocupara espacio, de que fuera más de la suma total de diez mil perspectivas desde diez mil puntos de vista diferentes. En mi dibujo, que era inevitablemente una visión desde un solo punto de vista, confiaba en llegar a sugerir este ilimitado de perspectivas. Pero por ahora esa sólo cuestión de trazar y refinar formas hasta que sus tensiones comenzaran a ser como aquellas que veía en el modelo. Desde luego corría el riesgo de que un énfasis sobreacentuado y erróneo lo hiciera estallar todo como un globo, o podría desmoronarse como arcilla demasiado fina en el torno de un alfarero, o deformarse fatalmente y perder su centro de gravedad. Aun así, allí había algo. Las infinitas y opacas posibilidades de la página en blanco habían sido definidas y precisadas. Mi tarea consistía ahora en coordinar y medir: pero no medir en pulgadas, como uno puede pesar una onza de pasas contándolas, sino medir por el ritmo, la masa y el desplazamiento: calcular distancias y ángulos como un ave volando entre las ramas, visualizar la planta como un arquitecto, sentir la presión de mis líneas y manchas hacia la superficie más remota del papel, como un marino siente la flacidez o tensión de su vela para así virar aprovechando o desechando la superficie del viento.”

BERGER, John.”Dibujar un hombre”. En: Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible. 4ª edición. Madrid: Árdora, 1997. p. 55-56

Medallón-relieve futurista

esbozos fut turistas

Tres poses fijas

Reflexiones sobre el proceso y la creación de la figura de barro

Cuando el profesor Jorge Egea explicó lo que íbamos a hacer en clase, una figura de barro de medio metro, me quedé sorprendida. Nunca me había ni me habían propuesto hacer algo así. Así que mi sorpresa existia porque no tenía ni idea de cómo iba a ser esa experiencia. Lo difícil, fue empezar. No se porque pero, se me hacía extraño coger barro y hacer una montaña de ella, como si de una mancha voluminosa en el espacio se tratase, algo feo. La miraba y luego miraba a la modelo, y decía: esta montañita tiene que ser un cuerpo humano. A partir de entonces entendí la dificultad que iba a conllevar este trabajo, y la meta que tenía que lograr. La verdad, al principio me parecía algo imposible de hacer, y en clase me costaba concentrarme. Al ver que estaba un poco por detrás de los demás decidí hacer horas extra por la mañana utilizando una figura de un compañero mío. El hecho de estar sola, me ayudo mucho para empezarlo. No había nadie a mí alrededor y era solo las dos figuras y yo. En la intimidad conseguí inspirarme en este nuevo proyecto. Veía que poco a poco iba comprendiendo como se debía hacer. Primero de todo: ¡las medidas!, (tenía que recordarme de esto ya que era algo que no solía prestar mucha atención y que era imprescindible), ya que la figura que ya había empezado estaba desproporcionada. Una vez que tenía todo en su sitio empecé a modelar. ¡Aquí es cuando vino la diversión! Me parecía raro y por eso divertido el hecho de darle un masaje en la espalda a una figura sin vida. Me pareció extraño tener que tratar con una figura de barro sin vida, como si lo estuviera. Delicado, un trabajo con mucha atención y cuidado, esmero y tranquilidad. Para mi la figura cobraba vida poco a poco, cada vez parecía un ente más real.
Lo que también me pareció fascinante es el hecho de pensar en una figura humana en tres dimensiones. Acabas teniendo (claro está) un mayor entendimiento sobre el cuerpo humano. Me acuerdo que, después de todo una tarde haciendo la figura en clase, al día siguiente me iba a dibujo y me salían mucho mejor, me salían con más fluidez. En conclusión fue una experiencia muy agradable aunque difícil al principio. Me puse a hablar con un estudiante de otro curso que hacia lo mismo pero a tamaño natural, ¡¡¡o sea una figura de mas o menos 1 metro 70!!! ¡¡Si lo mío me pareció sorprendente imagínate eso!! Sería una buena propuesta para el año que viene…

Transformació d'un llibre en una escultura exempta

estudi de l'escultura-llibre

esboç medalla

Apunts model

Modelado

Marc Tanguy "Mi punto de vista sobre la pintura figurativa"

Marc Tanguy, ENSAD Paris. Visita la UB Bellas Artes.

Una Peculiar visión del Arte

El profesor Marc Tanguy inició la conferencia con una frase muy directa: “Mi punto de vista sobre la pintura figurativa contemporánea”…, y añadió que, para él, “…toda la pintura es figurativa.”

Con una frase así, cualquiera se asusta, pensando que hasta donde llega el poder de convicción de uno mismo por creer que todo es figurativo y “todo” es valido (el gran campo de lo abstracto). La verdad es que su planteamiento es totalmente veraz y convincente y tan fuerte que removió dentro de todas nuestras estrechas mentes una profunda reflexión sobre el arte “figurativo”.

Sí, todo es figurativo, es real, su planteamiento es tan convincente i con un sentido natural que retumba sobre todas las demás teorías. Aquí su explicación, la forma, es siempre interpretada por el espectador, por su personal punto de vista, es como funciona el lenguaje artístico; todo el arte es figurativo porque poseemos una relación natural con las formas. Nosotros vemos la forma porque estamos familiarizados con ella. La lógica artística es lo que hace que nosotros podamos interpretar la forma.

Su segundo argumento sobre el arte y su validez fue que una buena obra es aquella que nos da el sentimiento de la representación, mientras que una mala obra, nos da simplemente la representación.

Realmente la pintura actual se encuentra en un punto muy particular, estamos invadidos de imágenes por todos sitios, des de las vallas publicitarias, las revistas, los carteles cinematográficos, etc. Todo son imágenes que nos sacuden la mente a lo largo del día. Pero la pintura sigue estando allí. En este momento la pintura tiene un campo de trabajo muy amplio. La “nueva cultura” de nuestra sociedad la ha dotado de un gran abanico de posibilidades y le ha dado todas las herramientas posibles. Puede usar imágenes de cualquier providencia y deconstruir-las. La imagen contemporánea tiene todos los temas y recursos de la pintura clásica, el retrato, el paisaje, la autobiografía, una pintura más intimista, etc. En la pintura contemporánea cada artista utiliza las técnicas más personales.

Todo esto es resumible a otra de las grandes frases de Tanguy: “Lo importante es la calidad de comunicación con las formas… la pintura juega con la duración de la mirada.” Es tan sencillo como decir que hay que saber expresar la libertad y con ello se logra alcanzar la sensibilidad suficiente como para transmitir el mensaje a su destinatario, el mundo y sus espectadores. El arte es el dominio donde podemos expresar esta realidad. La pintura es variable al estado de ánimo del autor, sus pensamientos más inquietantes. El instante es el que habla pero lo que importa es la poesía.

“Lo esencial es ver lo que uno intuye en la obra” M.T. 7/05/09

(Terminar con una frase así, es un éxito asegurado…)

Medalla Futurismo

Conferencia de Marc Tanguy

La exposición trataba de la figuración en la pintura contemporánea. Sobretodo me quedé con la afirmación de Marc de que toda pintura acaba siendo figurativa, puso el ejemplo de que hasta una pintura abstracta puede representar algo tan intangible como la luz.

Personalmente creo que es un debate un poco estéril. Creo que una línea en el lienzo puede ser únicamente ella misma, una línea en un lienzo. Y yo me deleitaré resiguiendo el ritmo, la firmeza o la fragilidad, la expresividad, etc. Y no buscaré ningún referente de representatividad, como podría ser un junco doblado por el viento, la estela de un cuerpo en movimiento… se me ocurren miles de interpretaciones.

Esta pintura no será figurativa, a no ser que consideremos una línea como una figura en el espacio.

Pero repito que para mí, el debate no nos lleva a ningún sitio.

Me gustaron los pintores que escogió Marc para ilustrar su conferencia, y aplaudo su valentía y franqueza en enseñar su obra. Yo también seré valiente y enseñaré uno de los últimos cuadros. Una obra titulada “Alta cocina” y que muestra 30 platos del “Bulli” de Ferran Adrià, “deconstruidos” bajo mi propia manera de entender la pintura. Ingenuidad e inteligencia, pincelada a veces fresca, a veces obsesiva. Un juego de idas y venidas entre lo real y lo abstracto. Un modo de pintar muy parecido al que pueda tener un cocinero refinado y cuidadoso, que trata con especial amor el objeto de trabajo que da sentido a su vida.